gallery grida

 

 

그럼에도 불구하고, 130.3x80.3cm, oil on canvas, 2026   작가노트   나의 작업 속 좌절이 있는 낙원에는 그럼에도 불구하고 나아가려고 하는 인간의 모습과 우리가 존재하는 이 불완전한 자리. 그 위에 잠시 머물다 사라지는 감정들을 담는다.   우리는 어떤 회화를 남겨야 하는가. 결국 이 질문은 지금을 살아가는 우리가 어떤 세계를 꿈꾸고 있는가에 대한 물음으로 이어진다. 우리는 불안과 결핍, 좌절을 안은 채 각자의 방식으로 낙원을 상상하고 살아간다. 거기에서 출발하여 좌절이 있는 낙원이라는 역설적인 풍경을 그린다. 화면 속 자연은 때론 밝고 따뜻한 빛으로 가득차 있지만 그 안에 놓은 인물들은 고요 속에서 각자의 감정을 견디고 있다. 서로 가까이 존재하면서도 완전히 닿지 못하고, 휴식과 불안은 동시에 머문다. 이 장면들은 이상향의 이미지와 현실의 감정이 겹쳐진다.   작품 속 낙원은 완성된 장소가 아니라, 변화하는 상태에 가깝다. 그것은 각자가 지닌 아픔과 고민, 불안을 포함한채로 존재한다. 자연풍경을 변형하고 재구성하며, 동시에 인물의 모습을 통해 이러한 내면의 상태를 시각화 한다. 특히 꿈이라는 개념이 작업에 내재되는데, 여기서 꿈은 두가지 의미를 동시에 가진다. 하나는 잠 속에서 경험하는 무의식의 장면이며, 다른 하나는 미래를 향한 희망으로서의 꿈이다. 이 두 의미가 서로 겹쳐보이기도 한다. 실제로 꿈에서 포착한 이미지에서 작업이 시작되기도 하며, 감각과 기억이 혼합되어 새로운 풍경이 나타난다.   최근에는 두려움이라는 감정을 구체적으로 들여다본다. 밤의 어둠 앞에서 느끼는 막연한 불안, 쏟아지는 물의 거스를수 없는 압도적인 힘 앞에서의 긴장감. 이러한 상황속에서 인물은 멈추기보다는 그 안에서도 나아가려는 의지를 드러낸다. 이때 화면에는 머무름과 움직임. 안정과 위태로움이 동시에 존재한다.   나는 완전한 이상향을 제시하지 않는다. 다만 묻는다. ‘우리는 왜 여전히...

미치광이 이웃이 사는 집, 2025, oil on canvas, 90.9×72.7cm -작가노트 내가 사는 동네에는 돈사가 있고, 그곳에서 풍기는 냄새 때문에 주민들은 많은 불편을 호소한다. 그러나 축사는 인간이 육류를 소비하기 위해 만들어졌다. 고기덩이를 먹기 위해서는 동물의 고통과 혐오스러운 공간이 필요하며, 우리는 이를 소비함으로써 그 착취의 구조에 자연스럽게 동조하고 있다. 그럼에도 우리는 그 존재를 단지 ‘불쾌한 이웃’으로 치부한다. 내 작업은 이러한 외면과 배제의 구조에서 출발한다. 나는 이번 작업에서 사회가 필요에 의해 만들어 놓고도 쉽게 타자화해온 존재들을 드러내고자 한다. 이러한 소비의 구조는 가축에만 머물지 않는다. 우리는 타인의 삶과 몸, 그리고 서사를 끊임없이 소비한다. 특히 성노동자나 미디어 속 인물들은 하나의 이미지로 환원된 채 쉽게 판단되고 평가된다. 그들의 복잡한 맥락은 지워지고, 자극적인 장면과 단편적인 정보만이 남아 소비된다. 이 과정에서 타인은 이해의 대상이 아니라, 흥밋거리로 전락한다. 최근 나는 유명인의 사소한 실수나 잘못이 드러났을 때, 이를 거의 용서하지 않으려는 대중의 반응에 주목하고 있다. 잘못의 크기나 맥락과 무관하게 한 번 흠집이 생긴 인물은 빠르게 낙인찍히고 집단적인 비난의 대상이 된다. 이 과정에서 비판은 쉽게 도덕적 우월감으로 전환되며, 개인의 실수는 하나의 사건이 아니라 그 사람 전체를 규정하는 이미지로 소비된다. 이는 단순한 분노의 표출이라기보다, 타인을 단죄함으로써 스스로를 안전한 위치에 두려는 심리에서 비롯된 것이라고 생각한다. 타인의 결함과 균열을 응시하는 동안 자신의 불완전함은 잠시 가려지기 때문이다. 그렇게 타인의 삶은 하나의 ‘볼거리’ 로 기능하며, 존재는 맥락을 잃고 단지 소비되기 위한 이미지로 남는다. 이번 시리즈의 제목인 「미치광이 이웃이 사는 집」은 이소호 작가의 단편소설 『나의 미치광이 이웃』에서 차용한 것이다. 이 표현은 이해되지 않는 존재를 불편해하고, 타자로 밀어내려는 사회의 태...

갤러리 그리다 기획공모展 앞 UP 2025 2026_0313 ▶ 2026_0412 / 월요일 휴관 별도의 초대일시가 없습니다. 1부 2026년 3월 13일-25일   참여작가 / 김상희 김정호 단수민 솔라양 이혜린 2부 2026년 4월 1일-4월 12일   참여작가 / 김상희 김정호 단수민 솔라양 이혜린 입장료 없음 관람시간 11:00-6:00,   매주 월요일 휴관 갤러리 그리다 GALLERY GRIDA 서울 종로구 자하문로12길 21(창성동 108-12번지) B1 Tel. +82.2.720.6167 www.gallerygrida.com 지난 2025년으로 열세 번째 진행된 갤러리 그리다의 신진작가 공모전은 솔라양(잠들지 않는 수풀, 5월 30일-6월11일), 이혜린(LOVE LOVE LOVE, 9월12일-9월24일), 김정호(검은 숲:길 잃기 위한 산책, 10월17일-10월29일), 김상희(Trimmed Landscapes: The Valley, 10월31일-11월12일), 단수민(풍경파편, 11월21일-12월3일)의 순으로 개인전이 진행되었습니다. 개인전이 개별적인 작가들과 만날 수 있는 기회가 되었다면 이번의 전시는 그들의 단체전으로 2025년 공모전의 총괄 형태로 모두를 일별하는 자리가 되지 않을까 합니다. 공간의 특성상 전시는 1,2부로 진행합니다. 미국과 한국을 오가는 삶을 살았던 솔라양 작가는 자신이 머물렀지만 지금은 낯설어진 공간에 대한 기억을 되새기면서 풍경을 화면 속에 펼쳐보입니다. 각자의 기억은 각자의 세계관에 의해 재구성되고, 편견에 의해 임의로 수정됩니다. 찢어진 메모지를 이리저리 모아 붙인 것처럼 되살려낸 기억은 완벽하지 않으며, 흐릿해지고 불완전한 이미지들만이 떠오릅니다. 어쩌면 작가의 작업은 기억의 재생산이 아닌 새롭게 만들어가는 정신일 것입니다. 화면 속에 재현되는 풍경은 자기 자신을 찾아가고 있는 과정이기도 하며, 우리가 기억의 숲에서 헤메고 있는 작가를 만날 수 있는 실마리가 되기도 합니다. 반쯤 투...

 

이번 전시는 ‘계곡’을 주제로 한 10점의 신작을 선보인다. 작품들은 실존하는 우리나라의 계곡에서 출발했지만, 여러 지역의 풍경 이미지를 결합해 새롭게 구성된 가상의 공간으로 확장되었다. 작가는 자연의 형태를 해체하고, 직선과 색면으로 단순화하여 정제된 풍경을 만들어낸다. 곡선이 사라진 화면 속에서 자연은 이미 인간의 시선과 의도에 의해 다시 구성된 풍경으로 존재한다. 이러한 인위적인 구조 속에서도 안정감과 균형이 느껴지는 것은, 인간이 끊임없이 추구하는 조화의 감각과 맞닿아 있다. 이번 전시의 풍경들은 실제 장소가 아닌 상상 속의 계곡이다. 단순하게 다듬어진 형태와 절제된 색의 조합 속에서 관람자는 각자의 기억과 감정을 투영하며 자신만의 리듬을 발견하게 된다. 이러한 시각적 단순함은 오히려 사유의 폭을 넓히고, 보는 이로 하여금 자연과 인간, 인위와 균형의 관계를 다시 바라보도록 이끈다. 영감을 얻은 대상을 해체하고 단순화시켜 표현해 내는 작업을 하고 있다. 단순화 시키는 과정을 통해 대상의 본질을 생각하며 극단적으로 단순화된 화면을 통해 다양한 사유를 유도한다. 인간이 가장 싫어하는 것은 불안함이지만 인간에게 불안은 필연적이다. 또 인간은 혼자서 세상을 살아갈 수 없기에 사회의 구성원으로 살아가야만 한다. 즉 인간에게는 안정감, 균형 그리고 조화가 가장 필요하다. 안정적이고 균형감 있는 색면구성을 통해 단순함의 아름다움을 드러낸다. <Trimmed Landscapes>시리즈는 자연물에는 직선이 없다고 믿어왔던 작가 본인이 여행에서 잘 정돈되고 다듬어진 정원들을 자주 마주하며 자연물에는 직선이 없지만 어쩌면 ‘인간에 의해 직선이 생길 수 있다는 상상’에서 시작된 정돈된 풍경을 그려냈다.  인위적으로 다듬어진, 직선으로 그려진 풍경에서 오히려 안정감과 균형감을 느끼게 된 작가는 이러한 아이러니 속에서 인간의 본질을 탐구하고자 했다. 자연과 인위의 경계에서 발생하는 새로운 형태와 구조는 단순히 시각적인 즐거움에 그치지 않고, 인간 존재와 그 행...

  우리는 모두 숲에서 길을 잃은 방랑자다. 무수히 뻗은 길 위에서, 우리는 어디로 가야 할지 끊임없이 묻는다. 그러나 나는 길을 찾기보다 길을 잃는 것에 주목한다. 헨리 데이비드 소로가 그의 저서 <월든>에서 “숲으로 갔다. 삶의 본질적인 사실들만을 직면하기 위해서....”라 말했듯, 숲은 일상의 복잡한 지도에서 벗어나 오직 나 자신과 대면하는 공간이다. 숲속에서 길을 잃음으로써, 비로소 자신만의 길을 발견하길 바라며... 

 

  나는 평범한 일상의 장면들 속에서 개인의 기억이 보편적 감정으로 확장되는 지점을 탐색한다. 기억은 시간의 흐름에 따라 재구성되는 감각과 해석의 집합이다. 우리가 느낀 감정과 경험에 따라 기억은 계속해서 변화하고, 때로는 새롭게 형성되기도 한다. 작업하는 과정에서 나는 내가 속한 문화와 사회가 기억하는 역사적 사건들과, 내가 살아오며 직접 보고 느낀 순간들을 떠올리고, 그 연결된 기억들을 자연의 모습으로 표현한다. 나는 사적 경험과 사회적 기억 사이의 모호한 경계를 넘나들며, 그 틈에서 회화적 언어를 구축해 나간다. 내 작품 속 자연은 단순한 배경이 아닌 기억을 불러오는 장치로 사용된다. 기억은 단편적이며, 우리가 떠올리는 장면은 완전한 형태가 아닌 불완전한 파편들로 구성되어 있다. 특정한 형태나 장면을 재현하 는 것이 아니라, 기억이 지닌 모호함과 시간의 흐름을 시각적으로 드러낸다. 나는 다양한 붓질의 형태와 질감을 통해 기억 속 장면들의 소리와 움직임을 완벽한 재현이 아닌 흐릿하고 중첩된 단상으로 표현한다. 

  모든 것이 언젠가는 소멸하는 유한한 세계에서 나는 때때로 끝나지 않는 것들에 대해 생각했다. 존재의 죽음과 죽지않음을 멍하니 떠올리며 시간을 보냈던 유년기를 지나 나는 이 시간의 끝과 내가 속한 지구 너머 공간의 끝, 0에서 위로 아래로 끝없이 펼쳐져 나가는 수의 끝을 이따금 생각하는 사람으로 자랐다.   끝이 없다는 것은 어렴풋이 생각하면 우리를 굉장히 두렵고 무섭게 만든다. 그러나 돌이켜보면 나는 끝 이후의 것을 조금 더 두려워하는 사람이어서 막연히 모든 것이 영원했으면 좋겠다고 생각했다. 하지만 시간이 흘러 나는 이제 웬만한 것에 끝은 있음을 인정하는 어른이 되었고, 동시에 그럼에도 불구하고 계속해서 영원을 생각으로 좇는 어른이 되었다. 모든 것이 끝나는 세상에서 끝나지 않는 것을 생각하는 것은 꽤 낭만적이다.   분명 나와 우리를 둘러싸고 있으나 닿을 수 없는 곳이 있다. 그곳이 너무 멀어서 닿을 수 없는 것인지 혹은 존재하지 않아서 닿을 수 없는 곳인지조차 알 수 없는 미지의 그곳을 나는 끝없는 ‘무한’이라고 생각했다.   누군가 매우 큰 숫자를 말한다고 해도 그 숫자에 1을 더하는 순간 더 큰 숫자는 존재하며, 가장 긴 직선을 그린다고 해도 그 끝에 점 하나만 찍는 순간 더 큰 직선은 존재하게 된다. 무한에 1을 더해도 무한이며, 무한에 무한을 더해도 무한이다. 우리는 그것을 계산하거나 측량할 수도, 감각할 수도 없으며 나아가 인지할 수 있는지 없는지, 실재하는지 아닌지조차 파악할 수 없다. 무한은 우리가 아무리 닿으려 해도 결코 닿을 수 없는 곳이며, 그곳을 향해 다가갈 수는 있어도 절대 도착할 수는 없는 곳이다.   그러나 우리가 무한에 닿을 수 있느냐, 없느냐에 대한 대답은 중요하지 않다. 오히려 우리는 절대 그곳에 닿을 수 없다. 그저 무한을 붙잡으려는 인류사의 궤적을 통해 나는 인류의 낭만을 느꼈다. 닿을 수 없는 무언가를 끊임없이 예술의 언어로 나타내고 이론적으로 증명하고자 하는 시도는 우리가...

  심미나 작가는 한병철의 < 투명사회 > 와 같은 맥락으로 인간은 자기 혼자 있을 수 있는 공간을 필요로 하다고 말한다 . 작품은 과잉된 사회 속에서의 버려지고 낭비되는 시간 , 과다 데이터의 폭력과 절차에 의한 피로감으로 시작되었다 . 포스트 미디어 사회에서 발생하는 과잉 생산과 이미지의 혼재 사회에서 벗어나고자 하는 개인적 사유와 행위를 시작으로 한다 . 자기상의 유지를 시각적 이미지로 객관화하며 온전한 본인의 감정에 집중하기 위한 소거의 작업을 시작한다 . 지우고 비우며 흔적을 남기는 붓질의 수행을 통해 자아 성찰의 시간을 제시한다 . 마음보다는 외적인 것에 치중하며 정작 가장 중요한 내면을 다루는 것조차 잊혀졌다 . 심미나 작가는 인간에게 필수적인 어떠한 것에도 방해받지 않는 혼자 있을 수 있는 공간을 제공한다 . 현대는 특히 다양한 외부 자극으로 인해 본인의 내면의 마음을 다룰 여유조차 없기에 심미나 작가의 추상회화는 현대인에게 내면과 대화할 수 있는 필수적인 시간의 경험을 선사한다 . 추상 작품을 감상하는데 있어 어려움이 있어 하는 분들이 많은데 추상은 정답이 있는 것이 아닌 자유롭게 해석이 가능하다 . 내면을 성찰하고 대화하며 작품을 바라보다 보면 작품에 보여지는 색채는 관람객의 주관에 의한 색의 잔상이 개인마다의 기억 또는 추억으로 또 다른 감각의 전이 현상을 경험한다 . 이는 관람객의 내면의 대화를 마주하는 공간을 제공한다 . LED 빛과 물의 관계성 조형의 기본 요소인 점 , 선 , 면에 색채가 더해지면 , 그 미적 대상으로부터 받는 인상은 한층 더 커진다 . 특히 빛에 의해 변화되는 색채를 도드라지게 시각화한 작품은 단 색조의 작품이나 흑백의 드로잉에서 느끼게 되는 키아로스쿠로 (chiaroscuro) 와는 차원이 다른 심미적 감흥을 안겨준다 . 이러한 예술 감상의 풍요로운 지대에로 우리를 유도라도 하듯 , 심미나 작가는 색채와 빛을 통한 인간의 내적 울림에 그 누구보다도 큰 관심을 쏟으면서 지금까지의 전통적인 회화적 표...

제 아버지께선 문구 도매업에 종사하셨습니다. 고무 딱지와 색칠 공책, 캐릭터 다이어리, 젤리롤 펜, 글라스 데코, 모든 게 집에 있었죠. 그러나 그중 절반은 해적판, 짝퉁, 듀프, 페이크 아이템이었습니다. 어떤 물건이 유행하면 거의 동시에 해적판이 시장에 돌았던 시대에, 유통업자가 둘을 함께 다루는 건 흔한 일이었습니다. 제게 주어진 것들은 대개 해적판이어서, 친구들이 정식 라이선스 장난감을 가지고 놀 때 정작 문구를 파는 집 자식인 저만 조형이 어긋나고 조잡한 색채의 복제품을 들고 나오곤 했습니다. 해적판은 제 십대에 약간의 굴욕감과 창피함, 몇 차례의 싸움을 선물했습니다. 어쩌면 제가 그림을 택한 이유도 해적판이 아닌 오리지널의 제작자가 되고 싶었기 때문일지도 모릅니다. 물론 그것이 달성 불가능한 욕망임을 알아차린 건 한참 뒤였습니다. 세계는 제가 태어나기도 전부터 서로가 서로를 반영하는 시대에 진입했고, 스마트폰의 재매개는 그보다 더한 양상을 띠었습니다. 제가 해적판의 논법이라 여겼던 것들이 어느 순간 매시업이란 이름으로 보편화되었고, 나아가 틱톡과 쇼츠라는 형식으로 자리 잡았습니다. 숏폼의 흥행으로 마주친 트라우마들에서 처음 건진 것은 단순한 복제였습니다. 그러다 저는 자연스레 제 경험 이전에 존재한, 이 문화적 지층을 만든 수원을 파헤치기 시작했습니다. 제 손과 눈이 100년 단위의 시공을 더듬어 나가면서, 저는 스스로를 대안 역사서를 작성하는 고고학자이자 도굴꾼으로 재발견했습니다. 이제 저는 고고학적 시선으로 과거의 지층들을 안내선 삼아 따라가며, 디지털 환경의 무제한적 덮어쓰기를 통해 화면 속 기록들에 파열하는 몸을 부여합니다. 이는 수많은 이미지와 상품들을 끊임 없이 교차시키며 스스로를 덮어쓰는 틱톡, 릴스와 같은 쇼츠들, 그리고 그것들과 이어진 테무, 알리와 같은 글로벌 해적판 쇼핑몰들에 의해 시장에서 밀려난 짝퉁 문구업체인, 제 본가에 대한 깊은 감회에서...

  갤러리 그리다 기획공모展 앞 UP 2024 2025_0312 ▶ 2025_0409 / 월요일 휴관 별도의 초대일시가 없습니다 . 1 부 2025 년 3 월 12 일 -23 일   참여작가 / 이주연 조예서 조윤아 2 부 2025 년 3 월 28 일 -4 월 9 일   참여작가 / 김지연 민은희 최희준 입장료 없음 관람시간 11:00-6:00,   매주 월요일 휴관 갤러리 그리다 GALLERY GRIDA 서울 종로구 자하문로 12 길 21( 창성동 108-12 번지 ) B1 Tel. +82.2.720.6167 www.gallerygrida.com 지난 2024 년으로 열두 번째 진행된 갤러리 그리다의 신진작가 공모전은 이주연 ( 단면 , 5 월 29 일 -6 월 9 일 ), 조예서 ( 하늘의 뼈 , 9 월 1 일 -9 월 13 일 ), 민은희 ( 장미파 ! 워 10 월 18 일 -10 월 30 일 ), 최희준 ( 수상한 세계 , 11 월 1 일 -11 월 13 일 ), 김지연 (0<0, 11 월 22 일 -12 월 4 일 ), 조윤아 ( 흐르는 풍경 , 머무는 시선 , 12 월 6 일 -12 월 18 일 ) 의 순으로 개인전이 진행되었습니다 . 개인전이 개별적인 작가들과 만날 수 있는 기회가 되었다면 이번의 전시는 그들의 단체전으로 2024 년 공모전의 총괄 형태로 모두를 일별하는 자리가 되지 않을까 합니다 . 공간의 특성상 전시는 1,2 부로 진행합니다 . 맹인모상의 이야기는 코끼리를 만져본 장님들이 각자 자신이 만져 본 부분을 근거로 서로 다른 주장을 하는 이야기입니다 . 그렇다고 눈으로 사물을 바라본다고 해도 , 있는 그대로 사물을 이해할 수 있을 것일까요 ? 오늘날의 소통의 부재를 낳게 되는 원인 중 한 가지는 각자가 서로가 믿는 바에 근거하여 정보를 모으고 반복적으로 내재화하기 때문인 점도 있습니다 . 사람의 눈은 모두 같지 않습니다 . 보이는 것도 서로의 눈에 따라 조금씩 차이가 있...

앞UP 2025 공모가 종료되었습니다. 다음의 작가분이 선정되셨습니다. 기보경 김상희 김정호 단수민 솔라양 이혜린 응모해 주신 모든 작가분들께 감사드립니다.  

갤러리 그리다 기획공모 앞UP 2024 조윤아 《흐르는 풍경, 머무는 시선》 2024.12.06 - 12.18 일상은 끊임없이 흘러가는 풍경의 연속이지만, 그 속에서 우리의 시선들이 멈추는 순간들이 있다. 낯설지만 어딘가 익숙하게 느껴지는 순간들, 짧게 스쳐 지나가지만 마음속에 깊이 자리 잡는 찰나들. 이번 전시 《흐르는 풍 경, 머무는 시선》은 그러한 순간들을 기록하고 재구성한 작업들을 선보인다. 작업은 일상 속에서 발견한 소소한 장면들에서 출발한다. 현대의 스마트폰과 십 년 이상 된 디지털 카메라까지 다양한 도구 를 통해 포착된 이미지들은 한지 위에서 재구성되어 새로운 의미를 얻는다. 떠돌고 부유하는 시선을 따라 포착한 풍경들은, 흘러가는 시간 속에서 멈춘 기억을 담아낸다. 이는 현재를 살아가는 이들에게는 공감과 연결을, 떠난 이들에게는 애도의 마 음을 전달하려는 시도이기도 하다. 특히, 작업에 사용된 물감 토분 페이스트(Kaolin Paste)’는 조윤아의 어린 시절 경험에서 비롯되었다. 아버지의 발인 날, 장지 의 흙이 금가루를 뿌린 듯 반짝이던 기억은 깊은 작업 전반에 영향을 미쳤다. 이 기억을 바탕으로, 백토 가루와 펄 안료, 분 채를 혼합해 만든 물감은 단순한 재료를 넘어 떠난 이들의 안녕을 기원하는 기도이자 작품에 담긴 감정의 물리적 흔적으로 자리잡았다. 본 전시에서는 조윤아의 2024년 상반기, 약 4개월 동안 유럽 여러 나라를 방문하고 마주한 풍경과 장면에서 시작한다. 낯 선 환경 속에서도 익숙하게 느껴졌던 일상의 일부들은 카메라 렌즈에 담겨 한지 위에 겹겹이 쌓이고 해체되며 새로운 시각 적 이미지로 변모하였다. 이는 단순히 풍경을 찍는 행위를 넘어, 시간을 고요히 느끼며 장면에 몰입하며, 그 찰나를 더욱 깊 이 있게 관찰하려는 시도이다. 이번 전시를 통해 각자의 삶 속에서 흐르는 풍경을 돌아보고, 머물렀던 시선 속 감정을 다시 떠올릴 수 있기를 바란다. 글. 조윤아 ...